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Des cadavres à la «culture automobile westie»: scènes de la Biennale d’Adélaïde 2022 | Art et design

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L’Adélaïde Australian Art Biennale, l’enquête sur l’art contemporain la plus ancienne d’Australie, devrait ouvrir ses portes en 2022, mais sous un manteau sombre.

Les décès récents de l’un des artistes phares de l’exposition, Hossein Valamanesh, et du principal mécène de la biennale, Neil Balnaves, ont fait des ravages dans les ondes : tous deux sont décédés subitement à l’approche du 37e festival d’Adélaïde, Valamanesh en janvier et Balnaves à la mi-février.

Leur mort a ajouté une couche de choc à l’événement de 2022, intitulé Free / State, un examen cérébral et une célébration de la liberté humaine, avec le conservateur Sebastian Goldspink réunissant le travail de 25 artistes australiens de premier plan de tout le pays, chacun interprétant les concepts d’état et la liberté à leur manière.

Angela Valamanesh avec une sculpture en bronze et en granit créée avec son défunt mari Hossein Valamanesh, faisant partie d'une installation majeure à la Biennale d'Adélaïde.
Angela Valamanesh avec une sculpture en bronze et granit créée avec son défunt mari, Hossein Valamanesh. Photographie : Saul Steed/AGSA

Développée pendant ce que Goldspink appelle l’environnement « sauvage et imprévisible » des blocages de Covid-19 et des manifestations de Black Lives Matter, l’attention de la biennale s’est d’abord portée sur le conservateur au début de 2020.

Goldspink, basé à Sydney, a commencé dans une perspective spécifiquement Adélaïdienne : « J’étais fasciné par l’histoire de l’Australie-Méridionale, son statut de colonie libre par opposition à la Nouvelle-Galles du Sud… et les valeurs idéalistes que l’Australie-Méridionale a adoptées dès le départ. , en partie en réponse à cet État lorsque Covid est arrivé, il est devenu un véritable accent politique sur la souveraineté des États individuels.

Notre nouvelle normalité se reflète dans des œuvres comme l’installation Strange Days de Laith McGregor, avec plus de 1 000 bouteilles épelant SOS. Et les couteaux faits à la main de l’artiste tasmanien Loren Kronemyer font référence au besoin de responsabilité individuelle à une époque de chaos et de survie dans un monde apocalyptique.

Stanislava Pinchuk avec The Wine Dark Sea.
L’installation en marbre de Stanislava Pinchuk, The Wine Dark Sea, fusionne le texte de l’Odyssée d’Homère avec les dénonciations des dénonciateurs des centres de détention de Nauru et de l’île de Manus. Photographie : Saul Steed/AGSA

L’état de liberté restreinte est examiné dans l’installation en marbre de l’artiste ukrainienne Stanislava Pinchuk, The Wine Dark Sea, qui fusionne le texte de l’Odyssée d’Homère avec les dénonciations des centres de détention de Nauru et de l’île de Manus.

La liberté personnelle et la responsabilité informent l’œuvre multimédia à grande échelle de l’artiste basée à Sydney Julie Rrap, Write Me, qui invite son public à publier des commentaires de type médias sociaux sur 26 images de son visage manipulées numériquement, superposées sur la grille d’un clavier d’ordinateur.

Images de l'installation Write Me de Julie Rrap à la Biennale d'Adélaïde
Julie Rrap dit que son installation Write Me examine « les notions de liberté d’expression et ce que les gens pensent qu’ils peuvent et ne peuvent pas dire dans le débat ». Photographie : Saul Steed/AGSA

Son intérêt pour la collision de la liberté d’expression et de la responsabilité s’est développé pendant les fermetures, dit Rrap, au milieu des débats publics sur la liberté personnelle.

« Covid a en quelque sorte réduit mes options, ce qui s’est avéré très utile », dit-elle.

Alors que l’idée de manipuler son image sur un clavier alphabétique existait depuis plusieurs années, l’affichage des réponses du public sur un grand écran suspendu est venu plus récemment.

« [The viewer] c’est commenter dans un espace public avec d’autres personnes qui regardent, donc j’examine les notions de liberté d’expression et ce que les gens pensent qu’ils peuvent et ne peuvent pas dire dans le débat », explique Rrap.

Aucune biennale respectable ne serait sans un élément d’impolitesse pure et simple, et Abdul-Rahman Abdullah prend plaisir à In the Name, une série de carcasses d’animaux graphiquement réalistes suspendues au plafond. Décrit dans le catalogue comme « séducteur… et en même temps repoussant », Abdullah puise dans les souvenirs de son enfance à Perth, regardant son père abattre un mouton acheté dans un parc d’engraissement local.

L'installation de Dennis Golding construite à partir de dentelles de fer récupérées dans son quartier d'enfance,
Dennis Golding avec son installation construite à partir de dentelle de fer récupérée dans le quartier de son enfance à Redfern à Sydney. Photographie : Saul Steed/AGSA

Les artistes des Premières nations Dennis Golding et Reko Rennie se sont également inspirés de leurs expériences d’enfance.

L’artiste Kamilaroi/Gamilaraay Golding déconstruit l’architecture victorienne de Redfern, le quartier de sa jeunesse, en particulier le bloc. Son lustre, créé à partir de balcons en dentelle de fer récupérés dans des logements sociaux, est entièrement propriétaire de son espace vedette.

Et l’installation vidéo de Rennie emmène les spectateurs dans un voyage à travers la banlieue ouvrière ouest de Melbourne, où l’artiste Kamilaroi/Gamilaraay a grandi. Un coupé Monaro Holden magenta effrayant traversant des paysages de raffineries, d’abattoirs et du pont Westgate apparaît dans l’œuvre, intitulée Initiation.

Une image de l'installation vidéo Initiation de Reko Rennie à la Biennale d'Adélaïde
Reko Rennie a collaboré avec la soprano Yorta Yorta, la compositrice et actrice Deborah Cheetham pour la bande originale de son installation vidéo Initiation. Photographie : Reko Rennie/AGSA

Rennie dit qu’il voulait rendre hommage à la place centrale de l’automobile dans la culture de sa banlieue.

« Il existe une culture automobile occidentale, certains pourraient appeler cela une culture bogan, où les gens sont très fiers de leurs voitures et passent beaucoup de temps à travailler dessus, et c’était quand j’étais enfant », dit-il. « Il y avait un réel sentiment de fierté à créer une voiture cool, et c’est quelque chose que j’ai toujours voulu quand j’étais enfant : une muscle car cool. »

Le choix d’un Monaro des années 1970, amélioré avec l’un des Rennie’s couleurs des totems, a été inspiré par une campagne de marketing de l’ère General Motors Holden. Le mot Monaro est un mot aborigène signifiant « haute plaine » ou « haut plateau ».

La juxtaposition de la culture indigène à la mondanité dominante contemporaine alimente également le sens de Rennie de ce que signifie être un homme des Premières Nations né et élevé dans la ville.

« Il existe une notion romantique de l’aborigène qui définit la vraie chose comme vivre dans un désert, peindre par points, danser, chasser et cueillir de la nourriture », dit-il. «Mais la réalité est que beaucoup d’entre nous grandissent et vivent en milieu urbain, et le mien était très ouvrier.

« C’était une société multiculturelle des années 70 et 80, où je n’ai jamais eu de problème de racisme parce que tout le monde venait d’ailleurs. Mais il y a eu des heurts avec la loi et la justice, la drogue, l’alcool : c’étaient les [elements] de mon initiation.

Rennie a collaboré avec la soprano Yorta Yorta, la compositrice et actrice Deborah Cheetham pour la bande originale, une œuvre magnifiquement sombre composée et interprétée par Cheetham avec le Melbourne Symphony Orchestra.

La musique a une signification profondément personnelle pour Rennie. Comme Cheetham, sa grand-mère était membre de la génération volée. Bien qu’elle se soit montrée prometteuse en tant que soprano bel canto, sa famille blanche adoptive l’a empêchée de développer une carrière musicale et l’a utilisée comme femme de ménage.

« Ce rêve a été brisé », dit Rennie. « Et c’est quelque chose dont je me souviens toujours. »

  • Biennale d’art australien d’Adélaïde 2022 : Free/State fait partie du festival d’Adélaïde et est présentée à la Art Gallery of South Australia jusqu’au 5 juin. Guardian Australia s’est rendu à Adélaïde en tant qu’invité du festival d’Adélaïde